Muerte de Santa Clara por Murillo

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La Muerte de Santa Clara (1646), de Bartolomé Esteban Murillo, representa los últimos momentos de Santa Clara de Asís con profunda ternura y serenidad espiritual. La escena se centra en Clara recostada en su lecho de muerte, con una expresión apacible, como si su mirada ya se dirigiera hacia la realidad divina a la que está por entrar. A su alrededor se reúnen sus hermanas clarisas y clérigos, cuyas actitudes expresan dolor, reverencia y oración. Murillo organiza cuidadosamente las figuras para que la atención del espectador se dirija de manera natural hacia el rostro iluminado de Clara, que se convierte en el corazón silencioso de la composición.

A su lado aparecen dos ángeles vestidos con túnicas blancas resplandecientes, subrayando la santidad del momento. Uno sostiene una palma, símbolo tradicional de victoria espiritual y santidad, mientras el otro le ofrece una corona, signo de su recompensa eterna en el cielo. Estos elementos elevan la escena más allá de un simple lecho de agonía, revelándola como un instante de triunfo, plenitud y acogida divina. La luz cálida y suave, característica de Murillo, envuelve a los presentes creando una atmósfera delicada que sugiere la presencia de la gracia.

El uso de tonos cálidos, matices dorados y miradas cuidadosamente observadas aporta profundidad emocional a la obra. No hay gestos dramáticos; en cambio, el silencio, la devoción y la compasión de la comunidad reunida transmiten el amor y respeto hacia Santa Clara. Murillo logra capturar no solo el dolor de la despedida, sino también la paz de un alma que entra en la alegría de la vida eterna.

La escena está iluminada por una luz suave y cálida que aporta una sensación de presencia divina. Las figuras que la rodean —monjas y monjes— se muestran en diversas poses de dolor y reverencia, algunas con la cabeza inclinada, otras con las manos juntas en oración, creando una atmósfera de solemnidad y devoción.

La rica paleta de colores, con sombras profundas y luces, enfatiza el contraste entre lo terrenal y lo divino. La detallada representación de Murillo de las figuras, sus expresiones y las texturas de sus vestimentas confiere a la pintura una profundidad emocional, mientras que los elementos celestiales, como los ángeles y la luz etérea, elevan la escena a un plano espiritual. Esta obra es una hermosa representación de la pacífica transición de Santa Clara de la vida a la muerte, resaltando tanto el dolor de los que quedan como la gloria de su santidad.

El autor, Murillo, fue un pintor barroco español, reconocido por sus obras religiosas. Comenzó sus estudios de arte en Sevilla con Juan del Castillo, su tío materno. Sus primeras obras estuvieron influenciadas por Francisco de Zurbarán, José de Ribera y Alonso Cano, y compartió su marcado enfoque realista.

A medida que su pintura se desarrollaba, sus obras más importantes evolucionaron hacia un estilo refinado que se adaptaba al gusto burgués y aristocrático de la época, como se refleja especialmente en sus obras religiosas católicas.

En 1642, a los 26 años, se trasladó a Madrid, donde probablemente se familiarizó con la obra de Velázquez. La riqueza cromática y las formas delicadamente modeladas de su obra posterior sugieren estas influencias.

Ese año pintó once lienzos para el convento de San Francisco el Grande de Sevilla. Estas obras, que representan los milagros de los santos franciscanos, varían entre el tenebrismo zurbaranesco del Éxtasis de San Francisco y un estilo suavemente luminoso (como en la Muerte de Santa Clara) que se convirtió en característico de la obra madura de Murillo.

Los elementos característicos de la obra de Murillo ya son evidentes: la elegancia y belleza de las figuras femeninas y los ángeles, el realismo de los detalles del bodegón y la fusión de la realidad con el mundo espiritual, extraordinariamente bien desarrollada en algunas composiciones.

Regresó a Sevilla, donde falleció en 1682, pocos meses después de caerse de un andamio mientras trabajaba en un fresco en la iglesia de las Capuchinas de Cádiz.

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